Wie schnell doch die Zeit vergeht – gerade genießen wir die letzten Sommertage, schon rückt der Jahreswechsel näher. Als kleines Trostpflaster kommt da das neue Typodarium gerade richtig: Mit dem schmucken Abreißkalender auf dem Schreibtisch steigt die Vorfreude auf abwechslungsreiche Tage im Jahr 2025.

365 Tage Typografie

Raban Ruddigkeit und Lars Harmsen betätigten sich für die neue Edition des traditionellen Kalenders wieder als Schriftscouts und beobachteten die internationale Typoszene mit ihrem Expertenblick. So ist das Typodarium zugleich ein Trendbarometer oder, wie es der herausgebende Verlag Hermann Schmidt zusammenfasst: »Seit über 15 Jahren ist das Typodarium Seismograf und Taktgeber der vitalen Typedesign-Szene weltweit. Hier finden Sie Radikales und nur auf den ersten Blick Vertrautes. Raumgreifende Displayschriften und genügsame Brotschriften. Raffinierte Neuinterpretationen und aufmerksamkeitsstarke Diven der Typografie.« Aus ihren Fundstücken, die die gesamte Gestaltungsbreite des Schriftdesigns widerspiegeln, kreierte Julia Uplegger auf handlichem Format eine abwechslungsreiche Präsentation – laut trifft auf leise, bold auf kursiv, Serifen auf serifenlos.

Internationales Typedesign

In einer hochwertigen Box, in der die Kalenderblätter während des fortschreitenden Jahres gesammelt werden könne, leuchten die Kalenderseiten in 12 unterschiedlichen Papierfarben und sorgen schon damit für gute Laune. Und mit 357 Designerinnen und Designern aus 41 Ländern ist die diesjährige Zusammenstellung zudem eine spannende, typografische Weltreise. Während die Vorderseite wie immer das Datum präsentiert, finden sich auf der Rückseite Informationen zu den Fontdesignerinnen und -designern samt Schriftprobe des jeweiligen Entwurfs. Die Kalenderblätter der Sonntage tanzen als Besonderheit aus der Reihe: »In diesem Jahr widmen sich die Sonntage dem Kontrast: Fett und fein, Abstrich und Aufstrich, high contrast sans serif. Ohne Wenn und Aber«, so die Herausgeber. Bestellt werden kann der Kalender direkt beim Verlag oder aber in jeder Buchhandlung (20 Euro, EAN: 42 6017281 096 8).

Mit »Wolf« ließen Erfolgsautor Saša Stanišić und Illustratorin Regina Kehn ein feinfühliges Mutmachbuch für den Lesenachwuchs entstehen, das bereits mit zahlreichen Auszeichnungen gewürdigt und auch für den Jugendliteraturpreis 2024 nominiert wurde. Kürzlich hinzu kam die Auszeichnung als eines der »Schönsten Deutschen Bücher 2024« der Stiftung Buchkunst, womit auch die formale Qualität ihre Bestätigung fand.

Über Mobbing und die eigenen Ängste

Der brillante und vielfach ausgezeichnete Schriftsteller Saša Stanišić berührte bislang vorrangig Erwachsene mit seiner ganz eigenen und eingängigen Sprache – auch sein kürzlich erschienenes Buch »Möchte die Witwe angesprochen werden, platziert sie auf dem Grab die Gießkanne mit dem Ausguss nach vorne«, landete ad hoc in der Spiegel-Bestseller-Liste. Mit »Wolf« beweist er sein Feingefühl für die Sprache von Heranwachsenden und bereitet ihnen eine mutmachende Geschichte, die das Thema Mobbing unter Jugendlichen thematisiert: Kemi trifft in einem Jugendlager auf Jörg, der irgendwie anders ist und als Außenseiter in der Gruppe stets drangsaliert wird. Zunächst froh darüber, nicht selbst das Opfer zu sein, wächst in Kemi nach und nach die Wut über die Ungerechtigkeit. Als ihm im Traum der Wolf als Sinnbild seiner eigenen Angst begegnet, lernt er mit diesem umzugehen und wird mutig …

Ein brillantes Zusammenspiel

Ein Buch über »Freundschaft, Empathie und Charakterbildung«, so beschreibt es der herausgebende Carlsen Verlag treffend. Die Illustrationen von Regina Kehn, die seit ihrem Studium an der Fachhochschule für Gestaltung in Hamburg freiberuflich für Magazine, Verlage, Werbeagenturen und das Fernsehen arbeitet, verleihen der ohnehin spannenden Geschichte zudem eine packende Atmosphäre. »Die Dosierung der stilistisch homogenen Illustrationen ist im Verhältnis zum Textkorpus so, dass es einerseits nicht zu einem Bilderbuch wird; andererseits fungieren die doppelseitigen, allseitig angeschnittenen Pinselillustrationen als regelrechte Bühnenbilder. Die Illustrationen werden auch auf Textseiten platziert: als Vignetten oder frei stehende Zeichnungen, dann wieder als offene Zeichnung von einer Kolumne im Formsatz umgeben. Und immer wieder zwischendrin diese kleinen fiesen Stechmücken als Ornament«, so ist es dem Statement der diesjährigen Jury der Stiftung Buchkunst zu entnehmen. Die Lesefreude wird zudem durch einen doch üppigen Zeilendurchschuss gesteigert und auch das Volumenpapier Munken Print Cream mit seiner leichten Färbung lässt nicht so schnell ermüden.
Mit 192 Seiten ist »Wolf« ein empfehlenswertes Buch, das aufgrund seiner thematischen Aktualität auch Erwachsenen noch Denkanstöße geben kann (ISBN 978-3-551-65204-1, 14 Euro).

Ebenso spannend wie die Ergebnisse des traditionsreichen Wettbewerbs »Die Schönsten deutschen Bücher« der Stiftung Buchkunst, ist die jährliche Dokumentation hierzu. In jedem Jahr wird diese von einem anderen Designbüro konzipiert und gestaltet. 2024 realisierten die Kreativen von Neue Gestaltung (Berlin) den Katalog und nahmen dabei einen überraschenden Perspektivwechsel vor.

Die formalen Aspekte eines Printobjekts, allen voran die Materialwahl, schaffen stets eine weitere Ebene und unterstützen in vielfältiger Weise die Botschaft. Dass damit auch ein spannender Perspektivwechsel gelingen kann, wird am diesjährigen Katalog der »Schönsten Deutschen Bücher« besonders deutlich. Mit sechs verschiedenfarbigen Papieren (Carneval citron, ocker, eosinrot, moosgrün und blau, 80 g/qm sowie Design Offset, 100 g/qm) präsentiert sich dieses Mal der Innenteil, was zur Konsequenz hat, dass die prämierten Bücher in Schwarzweiß Einzug fanden. Diese Papierwahl verlieh der Dokumentation einen überraschenden Shift: Im Mittelpunkt steht nun der Wettbewerb sowie der Jurierungsprozess an sich. Diese Sichtweise verstärkten die Kreativen mit der Platzierung der originalen und handschriftlichen Kommentare der diesjährigen Jurorinnen und Juroren am jeweiligen Siegerobjekt. Die hierdurch erzeugte persönliche Anmutung, regt den Lesenden tatsächlich dazu an, sich nicht nur mit Fakten rund um das jeweilige Buch, sondern mit Bewertungskriterien und manches Mal unsichtbaren formalen Aspekten zu beschäftigen.

Auch der Katalogtitel »Ja, ja, ja« ist dem Bewertungsbogen von »Holy Smoke« entnommen – Gewinners des Preises der Stiftung Buchkunst. Er ziert ein reines Leinenmaterial ohne Aufkaschierung, was den Buchblock flexibel und haptisch geschmeidig macht. Überdies sorgt ein fein austariertes Raster mit klaren Sichtachsen ebenso für Lesevergnügen, wie die Beschränkung auf nur einen Font – »Rhymes«, eine zeitgemäße Modifizierung der klassischen Times –, der in drei Größen Dynamik ins Spiel bringt. Extensiv nutzen die Gestalter zudem das vorgegebene Format und platzierten die Texte nahe dem Anschnitt.
So ist der Katalog aufgrund des Konzepts eigentlich ein eigenständiges Buch und damit eine weitere Überraschung in der Riege der Wettbewerbsdokumentation der Stiftung Buchkunst. Von Jahr zu Jahr wird die Herausforderung für die kommenden Gestalter größer, eine ganz eigene Interpretation zu (er)finden. Wir sprachen mit Pit Stenkhoff, Mitgründer von Neue Gestaltung, über den Entstehungsprozess.

Interview mit Eva Wendel und Pit Stenkhoff (Neue Gestaltung, Berlin)

Wie seid Ihr zu Beginn an die Gestaltung des Katalogs der »Schönsten Deutschen Bücher« herangegangen? Analysiert man da zunächst alle Vorgängerbände?
Natürlich war diese Aufgabe für uns eine Herausforderung, die wir sehr gerne annahmen. Und man schaut schon erst einmal, vielleicht auch ein wenig eifersüchtig, darauf, was die Gestalter vor einem konzipiert und vor allem sehr gut gemacht haben. Bei der Durchsicht der früheren Kataloge war abzulesen, dass mit der Zeit die »Materialschlachten« weniger wurden. Gerade die letztjährige Dokumentation war sowohl formal als auch in puncto Typografie sehr reduziert und klar – eine tolle Arbeit. Das war zugleich unsere Messlatte.

Wie viel gestalterische Freiheit wurde Euch denn eingeräumt?
An und für sich hatten wir eine Carte Blanche. Festgelegt war dabei nur die Größe sowie das Gewicht, das für den ökonomischen Versand unter einem Kilo liegen musste.

Ihr habt für den Innenteil sehr kräftige Papierfarben gewählt. Wie kam es dazu?
Wir erhielten von der IGEPA eine Auswahl verschiedener Sorten – gestrichene und ungestrichene weiße Sorten mit verschiedenen Oberflächenstrukturen. Hinten in der Mappe waren dann noch sehr kräftige, farbige Papiere, die man wahrscheinlich im Normalfall für ein Buchprojekt eher überblättern würde. Wir waren hingegen von diesen bunten Papieren sofort begeistert und wollten damit dem Katalog Struktur verleihen. Natürlich stellten wir Überlegungen an, ob in der Konsequenz Schwarzweißabbildungen der prämierten Titel funktionieren würden – das klappte aber hervorragend.

Mit diesem Konzept habt Ihr den Fokus auch ein wenig von den prämierten Titeln abgerückt und stellt den Wettbewerb sowie die Jurierung in den Fokus. War das Euer Ansinnen?
Ganz genau. Wir wollten beides miteinander verzahnen. Bei einer reinen Präsentation wirken die Bücher ein wenig entrückt, in unserem Konzept werden sie mit dem Wettbewerbsgeschehen verknüpft. Diesen Ansatz verfolgten wir weiter, indem wir die originalen Bewertungen, die Plus- und Minuspunkte zu jedem prämierten Titel abbilden. Damit wird eine emotionale Stimmungslage vermittelt und die unterschiedlichen Handschriften erzeugen eine grafische Spannung.

Somit habt Ihr eigentlich keinen Katalog gestaltet, sondern ein Buch konzipiert, das über die reine Information hinausgeht …
Das kann man so sagen. Der Buch-Charakter wird auch durch seinen Umschlag verstärkt: Hier wählten wir ein Leinenmaterial aus, das normalerweise aufkaschiert wird. Bei uns kommt es als Rohmaterial zum Einsatz, um Elastizität zu gewährleisten.

Ihr habt zudem mit einem einzigen Font gearbeitet. Könnt Ihr dazu etwas sagen?
Im vergangenen Jahr kam die Arial zum Einsatz, da wollten wir natürlich einen Konterpunkt setzen. Die Rhymes ist eine wunderbare Neuinterpretation der klassischen Times – meiner Meinung nach eines der besten Times-Derivate. Mit diesem Font haben wir das größtmögliche Gegenüber zum Vorgängerkatalog gesetzt und beschränken uns hier jedoch auf drei Größen, die funktionsorientiert zum Einsatz kommen.

Der Katalog ist von einem sehr klaren Raster gekennzeichnet, dennoch habt Ihr Euch Freiheiten erlaubt, wie bei der Platzierung der Paginierung …
Bei den Zwischenseiten wandert die Paginierung tatsächlich nach unten, da sich hier die Sichtachse verändert. Ich bin ein großer Freund von klaren Vertikalen oder Horizontalen und auf diesen Seiten wirkt die Paginierung als Element am Fuß stärker. Zudem haben wir es uns erlaubt, die Paginierung gelegentlich mit den gezeigten Bewertungen zu überlappen – dies unterstreicht nochmals den Bühnencharakter, den dieser Katalog haben sollte.

Ich spiele einmal des Teufels Advokaten: Denkst Du, Pit, manche Buchgestalter der Siegertitel ist vergrämt, weil seine Arbeit »nur« in Schwarzweiß gezeigt wird?
Tatsächlich habe ich schon darauf gewartet, dass uns hierauf eine Gestalterin oder ein Gestalter anspricht, aber das ist bislang ausgeblieben. Ich denke, der dokumentierende Charakter wird verstanden und angenommen. Zudem ist eine schwarz-weiße Darstellung heute so ungewöhnlich geworden – sie fordert vielmehr Aufmerksamkeit und Konzentration.

Auch die Stiftung Buchkunst war sofort von diesem Konzept überzeugt, oder?
Ja, wir konnten unsere Idee stringent verwirklichen. Das war wirklich sehr schön.

Hinter FAstArtDesign stecken Anne und Falko Staufer, die mit ihren Leuchten nicht nur für Staunen, sondern auch für eine behagliche Atmosphäre sorgen: Die natürliche Kombination aus Holz und Papier sind die nachhaltige Basis für ihre Steh- und Tischleuchten, die auch bei Tageslicht echte Hingucker sind.

Nachhaltige Leuchten mit Stil

Die besten Ideen entstehen an Orten, an denen man sie nicht erwartet. Bei einem Wellnessaufenthalt entdeckte Anne Staufer Leuchten aus Beton, die sie zu einer eigenen Kollektion inspirierten und auch ihren Mann Falko Staufer begeisterten. Schon waren FAstArtDesign und damit erste Entwürfe von zeitlosen, ästhetischen und hochwertigen Leuchten aus nachwachsenden Rohstoffen aus der Taufe gehoben. Holz und Papier bilden hierbei die Basis der Entwürfe: »Versuch und Irrtum waren zu Beginn natürlich vorprogrammiert«, erzählt Anne Staufer. »Mit einem Bogen Karton, einem Bleistift, Lineal, Schneideklingen, kleinen Handstanzen und Klebstoff fing alles an, ehe wir die Produktion professionalisierten«. Inzwischen greift man bei der Formgebung auf den Laser zurück, der aufgrund der feinen Schmauchspuren ein weiteres Designelement liefert.

Kombiniert mit dem Messerschnitt entstehen bei FAstArt nun skulpturale Tisch- und Stehleuchten, die mit ihrer dynamischen und zugleich natürlichen Anmutung Individualität ins Wohngeschehen bringen. Die Lampenschirme aus Papier sorgen dabei für eine sanfte Lichtstreuung und bringen weitere Vorteile mit sich: »Zum einen lässt sich Papier gut verarbeiten und weist die notwendige Flexibilität auf. Zum anderen gibt es eine große Auswahl an spannenden Oberflächen und Farben, die darüber hinaus individuell veredelt werden können. Ob eine Verzierung mit Blattgold oder aber eine Individualisierung für Firmen – vieles ist möglich«, erzählen die beiden Gründer.
Wir sprachen mit Anne Staufer über die Entwicklung von FAstArtDesign sowie über ihre weiteren Pläne.

Wie kam es zu der Materialwahl Papier?
Zunächst einmal ist uns Nachhaltigkeit, Umweltbewusstsein und Kreislaufwirtschaft sehr wichtig. Zugleich wollten wir Leuchten herstellen, die durch Besonderheit und Qualität überzeugen – eine edle und anmutige Wirkung war uns wichtig. Papier und Karton ist da unglaublich vielfältig und mit toller Unterstützung der IGEPA / 2H machten wir uns schließlich auf die Suche nach passenden Sorten. Es wurde viel in Katalogen gewälzt, gefühlt, gebogen und getestet. Die verschiedenen Oberflächenstrukturen sind ebenso spannend, wie die Möglichkeit, individuelle Veredelungen auf die Lampenschirme aufzubringen.

Welche Eigenschaften sind für Anwendung besonders wichtig?
Es muss eine Sorte sein, die sich gut verarbeiten, eine gewisse Flexibilität, aber auch eine hohe Stabilität mit sich bringt. Eine interessante Oberfläche ist für uns ebenso wichtig wie eine gewisse Opazität, damit die Lichteffekte erkennbar sind. Die Papiersorte darf sich auch nicht verformen – die Empfindlichkeit gegenüber Feuchtigkeit haben wir zu Beginn leider auch kennengelernt. Und da wir mit dem Laser arbeiten, sind hier auch Tests notwendig, da die Schmauchspuren nicht zu kräftig ausfallen dürfen. Zu guter Letzt darf das Design nicht allzu filigran sein, um die Form stabil zu erhalten.

Wie läuft der Herstellungsprozess ab?
Zu Beginn war es eher einer Weihnachtsbastelwerkstatt ähnlich – mit Karton, Bleistift, Lineal, Schneidklinge, Handstanzen, Formen und Kleber entstanden die ersten Leuchten. Inzwischen und mit steigender Nachfrage haben wir das natürlich professionalisiert und setzen für die Lampenschirme den Laser ein, teilweise in Kombination mit dem Messerschnitt. Veredelt wird beispielsweise mit Blattgold, -silber oder -bronze und auch Individualisierungen für Firmen oder zu speziellen Anlässen sind möglich.

Gibt es Pläne für weitere Leuchtenmodelle?
Ja, wir möchten die Möglichkeiten der Individualisierung und Personalisierung weiter ausbauen. Zudem sind eine Weihnachtsedition sowie weitere Produkte für die Adventszeit in Planung. Außerdem experimentieren wir gerade mit unterschiedlichen Holzarten – es bleibt also spannend.

ICON Papers bietet Kreativen nicht nur ein breites Spektrum an Farben, Oberflächen und Grammaturen: In erster Linie bereitet das neue Feinstpapiersortiment von IGEPA eine perfekte Bühne für eine Vielzahl grafischer Anwendungen. Um dies nicht nur zu behaupten, sondern auch sicht- und spürbar zu machen, präsentieren die Musterbücher von ICON Classic und ICON Nature Artworks unterschiedlicher Genres.

ICON Papers: From Icon to Idea

Ein Open Call lud dazu ein, eigene Arbeiten einzureichen, die in den neuen Musterbüchern der ICON Papers-Kollektion Einzug finden sollten. Neun Artworks wurden für diese schließlich ausgewählt, teilweise aufwendig veredelt und in bester Druckqualität zu Papier gebracht. Ob Fotografie, Illustration oder Grafik – diese Beispiele zeigen eindrucksvoll, wie kraftvoll Design in Kombination mit einem hochwertigen Material wirken kann. Denn wahre Ikonen sind (bislang) selten digital auszumachen, sie zeigen sich als Drucke, Bauwerke, Produkt- und Modeklassiker. Und mit dem Slogan »From Idea to Icon – from Icon to Idea« wird deutlich, dass im Designbereich immer auch eine wechselseitige Befruchtung stattfindet. Eine Idee findet ihren Raum auf und in einem Material; das Papier kann wiederum zur zündenden Idee führen.

Die ICON Papers-Musterbücher

Auf den ersten Blick machen die Musterbücher der neuen Design- und Feinstpapierkollektion von IGEPA deutlich, welche Intention hinter ICON Papers steckt: »Das ›O‹ im Markennamen ICON wurde von uns als Klammer dargestellt, die eine symbolische Bühne bereitet und somit einen Raum aufzeigt, in der Kreativität stattfindet«, erzählt Marco van der Wyst, Design Director Format Design. Die Hamburger Agentur konzipierte für ICON Papers demnach nicht nur das formale Erscheinungsbild, sondern auch ein stimmiges Storytelling.

ICON Classic – die Allrounder

Eine elegante Anmutung, eine natürliche Haptik, drei Weißtöne und unterschiedliche Oberflächen, dies alles umfasst ICON Classic. Für Broschüren, Kataloge, Annual Reports, Karten, Verpackungen oder Geschäftsausstattungen findet sich in diesem Feinstpapiersortiment das richtige Material für ausdrucksstarke Entwürfe. Zum Vergleichen und Fühlen steht ein Musterbuch in edlem Blau zur Verfügung, das mit Artworks von Dirk Jung, Mischa Koop, Claudia de la Torre und Sven Schröder bestückt wurde.

ICON Nature – die Griffigen

Die Farbpalette von ICON Nature lässt das kreative Herz höherschlagen – zart pastellig trifft hier auf satt bunt. Damit werden vielfältige Kombinationen möglich, die bei Verpackungen, Umschlägen, Tragetaschen, Broschüren, Flyer, Visitenkarten oder Kunstdrucke für reizvolle Kontraste und eine natürliche Haptik sorgen. Wie die ICON Classic-Sorten ist auch das Recyclingpapier-Sortiment ICON Nature FSC®-zertifiziert und bis auf wenige Ausnahmen auch mit dem Blauen Engel zertifiziert. Wie brillant es sich auf diesen Papieren drucken und veredeln lässt, zeigen die kreativen Beispiele von Christine Maria Priebe, Chris Menke, Liad Shadmi, Agata Hawro, Paula Strehle und Carsten Wagner.

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Mehr zur Markenentwicklung von ICON finden Sie in diesem Beitrag.

Was erwartet die Kreativbranche in puncto Themen, Farben, Strukturen? Dieser Frage gehen alljährlich die Trendscouts von Leonhard Kurz nach: Das Team besucht Messen und Events, sieht über den Branchentellerrand hinaus und analysiert Social-Media-Kanäle und kreative Plattformen. Das Ergebnis dieser Forschung wird mit der Trendbox begreifbar gemacht.

Der Zeitgeist, der Gestaltung prägt

Die Trendboxen von Leonhard Kurz sind immer ein haptisches Vergnügen – ein Unboxing-Erlebnis, das die Sinne fordert und die Fingerspitzen kitzelt. Vier Boxen stecken dabei in einer großen Box, wobei nicht nur deren Oberflächen erfühlt und Trendfarben entdeckt, sondern eben auch die Forschungsergebnisse erfasst werden wollen. Es ist Jahr für Jahr erstaunlich, wie das Trendteam gesellschaftliche Themen und Strömungen in Material, Struktur und Farbe übersetzt, werden doch so abstrakte und oftmals diffuse Gefühle tatsächlich begreifbar. Für 2024 wurde darüber hinaus ein neues Verpackungskonzept – »60°« – ersonnen: Hiermit wird der wohl wichtigste Faktor in der Trendforschung, die Zeit, formal eingewoben. Dreieckige Boxen, die 60°-Winkel aufweisen und damit unsere Zeiteinheiten symbolisieren, stehen auch für die Ecken und Kanten, die Veränderungen mit sich bringen.

Vier Themen – ein Nenner

Was wird uns, die Gesellschaft, die Online-Community und analoge Welt also in nächster Zeit beschäftigen? Und wie können Gestaltende diesen Tenor einfangen? Für die Trendbox 2024 kristallisierten sich für das KURZ-Trendteam die vier Themen »The Great Analog«, »The New Drama«, »The Very Nothing«, »The Non-Sense« heraus. »Alles hat Tiefgang, ist Gesellschaftskritik und Treiber für neuen Gestaltungswillen. Für eine neue Welt, in der es sich zu leben lohnt. Zugespitzt, aufrüttelnd, in seinen Extremen sogar schmerzhaft, klar und deutlich. Das ist das verbindende Element, das alle Trendwelten eint«, so erläutert das Annie Kuschel, Head of Design Management von Leonhard Kurz. So präsentieren sich auch die Boxen individuell und eigenständig, spiegeln in ihrer Gesamtheit jedoch einen sichtbar kräftigen Auftritt wider.

A painful but intriguing wakeup call: The New Drama
Mit der ersten Box »The New Drama« wird die Ästhetik des Weltuntergangs aufgegriffen. »Dieser Trend dramatisiert, stilisiert, irritiert, schockiert, immer im Wechselspiel zwischen Hoffen und Bangen«, beschreibt das Trendteam seine Wahl. Das romantische Rosenmotiv hierfür präsentiert sich düster und eindringlich, ein transparentes, hochglänzendes, tiefdunkles, nahezu braunes Rot sorgt für Mystik. Weiß akzentuiert spiegelt sich ein leiser Hoffnungsschimmer wider, der aus dem (visuellen) Drama führt.

Back to real life experience: The Great Analog
Die zweite Box »The Great Analog« visualisiert dabei das gestiegene Bedürfnis nach Empfindungen: Je mehr uns KI von unseren Wurzeln löst, umso größer ist die analoge Sehnsucht. Wir möchten auch riechen, schmecken und festhalten können. Umgesetzt wurde dies als Box in silbrigem Grau, das Bodenständigkeit vermittelt und wie ein wertvoller Werkstoff vergangener Tage in der Hand liegt. Die warme Anmutung wird ergänzt mit dem holografischen Effekt einer Transferprägung – ein sinnliches Vergnügen.

Creepy is the new chic: The Non Sense
Die dritte Box greift mit »The Non Sense« einen Spaß-Trend auf, der das Spiel mit Absurditäten zelebriert. Ein lustvolles Regelbrechen, schräg und Klicks-generierend. Entsprechend dazu sprüht diese vierte Box vor Lebensfreude, Energie und Kontrasten. Die grüne Transferfolie blitzt stellenweise auf, chargiert spielerisch und bildet einen starken Kontrast zu der transparenten Folie »Pinky Rosy« aus der LUMAFIN®-Kollektion. Hoch- und Tiefprägungen verstärken die Aussage dieser Trendbox: Ich lasse mich in keine Schublade stecken!

The beautiful zero: The Very Nothing
Last, but not least manifestiert das vierte Thema »The Very Nothing« den Wunsch nach Reduktion sowie dem Luxus von Verzicht und Entlastung. Natürlich ist die Box selbst auch reduziert, vermittelt aber eine klare Botschaft: Die Blindprägung sitzt satt auf dem unprätentiösen Material, die sehr matte Folienprägung in Silber vermittelt Leichtigkeit – ein Hauch von Nichts, unaufgeregt und dennoch wertig.

Und der Trend der Trends?

Der Trend zu mehr Tiefe und Substanz wird sich fortsetzen, da ist sich das Team von KURZ sicher. »Die Zeit der Kakofonie, extremen Gegensätze und unübersichtlichen Bewegungen ist vorbei. In einer Welt, in der sich Technologien, Kommunikationswege und Konsumhaltungen rasant verändern, rückt die Frage nach dem Wie und Warum elementar ins Zentrum. Ob Sehnsucht nach sinnlichen Erlebnissen in einer digitalen Welt, Dramatisierung von Missständen, dem Zelebrieren von maximalem Verzicht oder satirische Anklage, keine der vier Strömungen, die wir ausgemacht haben, bleibt an der Oberfläche, nichts ist rein ästhetisch«, erläutert Julia König, Senior Designerin bei KURZ. Und das ist doch – objektiv betrachtet – doch eine recht positive Entwicklung …

Mit ICON Papers steht eine neue Feinstpapierkollektion von IGEPA zur Verfügung, die viel Raum für ikonische Designentwürfe bietet. Für die Markenentwicklung zeichnete die Hamburger Agentur Format Design verantwortlich, die das Storytelling bereits im Schriftzug konzentriert vermittelt.

From Idea to Icon

Was eint Mode-Ikonen wie Grace Kelly oder Jane Birkin mit Produkten wie den Paton Chair oder die Arco-Leuchte, die legendäre Fotografie »Lunch atop a Skycraper« und die Helvetica? Alle Beispiele haben eine unique Idee gemein, die sich manifestiert, materialisiert und ins kollektive Gedächtnis gebrannt hat. ICON Papers bereitet nun der grafischen Industrie eine neue Bühne, um ganz eigene Ikonen zu schaffen. Dieses Angebot lässt sich bereits am Schriftzug der innovativen IGEPA-Eigenmarke ablesen: »Wir haben uns bei der Entwicklung der Marke die Frage durch die Ich-Brille gestellt: Was erwarten wir als Designerinnen und Designer eigentlich von Feinstpapieren? Und, bei aller Bescheidenheit, es ist ja immer reizvoll, wenn die eigenen Arbeiten sichtbar werden und Resonanz erzeugen«, erläutert Marco van der Wyst, Design Director Format Design. So gingen die Kreativen zunächst auf die Suche nach Ikonen aus Kunst, Kultur, Design und Architektur und verknüpften diese mit dem Gedanken »from idea to paper, from paper to icon« in eine stimmige Markenstory.

ICON Papers nimmt Formen an

Von Beginn an stand die Frage im Raum, in welcher Weise das Thema »Ikone« gespielt werden soll. Schließlich gibt es leise und laute, zarte und wuchtige Entwürfe, die gemeinhin als ikonisch gelten. Für ICON Papers entschieden sich Format Design und die IGEPA für eine zeitlose, modern-elegante Umsetzung, die sich auch dank einer markanten Typografie zu einer unverwechselbaren Marke formte. »Wir wollten bereits in den ICON-Schriftzug eine Story integrieren und damit den Raum darstellen, der Design besonders macht. Das ›O‹ wird als Klammer dargestellt, die dem Material symbolisch eine Bühne bereitet und somit einen Raum aufzeigt, der gefüllt werden kann«, erzählt Marco van der Wyst, Design Director bei Format Design. Zum Einsatz kam hierfür der Font Juneau aus der Schriftschmiede Typemates, die Farbwelt von ICON Papers setzt sich aus ebenfalls aus eleganten Tönen. So lassen die Musterbücher auf den ersten Blick und intuitiv erkennen, ob es sich um ICON Classic, ICON Nature oder aber das kommende ICON Glam handelt. 

Juneau meets ICON Papers

In der Juneau fand Format Design die perfekte Kombination aus Charakterstärke, Flexibilität und Eleganz. Einen Allrounder in vielen Schriftschnitten, der den Design- und Feinstpapiersorten von ICON Papers eine reduzierte Bühne gibt. Der Fontdesigner Philipp Neumeyer von den TypeMates umreißt die vorzüglichen Eigenschaften recht treffend: »Juneau ist geometrisch, aber dynamisch, konstruiert, aber grotesk, freundlich, aber seriös, modern, aber klassisch. Kurz gesagt: Juneau ist ein liebenswerter Widerspruch; eine zwiespältige, aber verlässliche Komplizin«.

From ICON Papers to Idea

Nun sind alle Kreativen dieser Welt eingeladen, die neue Bühne zu nutzen und ihre Artworks der Welt zu präsentieren. Mit einer Vielzahl an Oberflächen und Farben sind den Anwendungen keine Grenzen gesetzt. Zudem lassen sich alle Sorten bestens verarbeiten und veredeln – ein kreatives Spielfeld in zahlreichen Grammaturen. Und last, but not least setzt IGEPA mit dem neuen Feinstpapiersortiment ICON Papers auch seine Nachhaltigkeitsstrategie fort: Alle Sorten der Kollektion sind FSC®-zertifiziert – die meisten sogar zudem mit dem Blauen Engel.

Neugierig geworden? Hier finden Sie die Bestellmöglichkeit der Musterbücher.

Franziska Walther bezaubert nicht nur mit charmanten Buchillustrationen und damit mit großem Einfühlungsvermögen für verschiedenste Protagonisten – ihr Portfolio umfasst ebenso geschärfte Corporate Designs, Markenentwicklungen und Websites. Derart breit aufgestellt, war für die promovierte Designerin eine deutliche Positionierung nicht nur hilfreich in der Außendarstellung, sondern auch für sich selbst. Dieses gelebte Know-how an Designerinnen und Designern weiterzugeben, ist ein weiteres Aufgabengebiet, dem sich Franziska Walther stellt. Sei es mit ihrem praxisnahen Buch »Die gute Mappe«, in Kursen oder Einzelcoaches – mit viel Erfahrung im Rücken unterstützt sie Kreative, sich erfolgreich zu positionieren und den eigenen Weg zu finden. Wir sprachen mit ihr über Stolpersteine und Zielfindung.

Du arbeitest nicht nur als Illustratorin, sondern bietest auch Kurse und Coachings für Berufskolleginnen und -kollegen an, die die Zusammenstellung von Portfolios und die Eigendarstellung zum Thema haben. Ist das tatsächlich bei vielen Kreativen ein Schwachpunkt?
Ja, Positionierung, Akquise und Marketing sind für viele kreative Selbstständige ein Buch mit sieben Siegeln. Das Portfolio spiegelt das dann oft wider.
Viele haben sogar Angst davor, mit einer strategischen Selbstvermarktung die eigene Seele zu verkaufen. Dahinter steckt dieses Paradoxon, dass Illustrierende oder Designerinnen und Designer Dienstleistungen anbieten, aber eben auch Kunstschaffende sind. Das gleichzeitig zu leben, ist gar nicht so einfach.
Dabei ist eine klare Positionierung der beste Schutzmechanismus für die kreative Seele. Denn sie erlaubt selbstbestimmte Entscheidungen. Das heißt nicht, dass immer alle künstlerischen Wünsche wahr werden, aber Positionierung gibt mir Werkzeuge an die Hand, mit denen ich mich selbstbestimmt verhalten kann.
Mache ich das nicht, dann werde ich schnell wie ein Blatt im Wind von einem Auftrag zum nächsten getragen – und frage mich in ein paar Jahren, wie zur Hölle ich hier gelandet bin.

Seinen eigenen Weg als Kreative oder Kreativer finden und zugleich das anbieten, was der Markt sucht – wie lässt sich hier eine Balance finden?
Das ist wirklich ein Balance-Akt, an dem viele scheitern. Denn in Aufträgen steht nun mal der Bedarf der Kundinnen und Kunden im Mittelpunkt. Da passiert es schnell, dass es auf einmal nur noch um die anderen geht und ich mich als kreativer Mensch selbst verliere. Deshalb halte ich es für sinnvoll, sich selbst bewusst verschiedene Räume zu schaffen. Neben meinen Auftragsarbeiten schaffe ich mir auch Raum für freie Projekte, in denen ich experimentieren kann, ohne an wirtschaftliche Zwänge oder die Vorgaben meiner Auftraggebenden gebunden zu sein.
Das bedeutet nicht, dass diese freien Projekte nicht auch irgendwann zu einem Auftrag oder zu einem Projekt werden, das Umsatz generiert. Aber ich brauche erst einmal diesen Raum, in dem sich meine Arbeit ohne Anforderungen von außen weiterentwickeln kann und in dem ich die wichtigste Person bin – die, die am Steuer sitzt und die Richtung vorgibt. Das erlaubt mir dann auch, bei Aufträgen die Bedürfnisse meiner Kundinnen und Kunden in den Mittelpunkt zu stellen. Denn am Ende löse ich als Designerin und Illustratorin die Probleme meiner Kundinnen und Kunden. Da geht es nicht um mein kreatives Wachstum.
Diese verschiedenen Räume schaffen emotionalen Abstand in Auftragssituationen, denn meine Kundinnen und Kunden haben dann nicht mehr die Verantwortung, mich glücklich zu machen. Diese Verantwortung kann nur ich selbst für mich übernehmen – in dem Raum, den ich dafür schaffe.

Lassen sich Kundenanfragen wie »ich möchte das genau so, nur anders« mit einer klaren Positionierung leichter umgehen?
Hier muss ich ehrlich antworten – ich glaube nicht! Denn die Aussage »Ich möchte das so, nur anders« ist ein Indikator, dass mein Gegenüber gerade nur schwer in Worte fassen kann, was sie brauchen und wollen – weil der Zugang und vielleicht auch die Sprache für Gestaltungsprobleme fehlt. Und das ist okay.
Kundinnen und Kunden buchen Kreative ja für ihre fachliche Expertise. Mit dieser können wir zuhören, das Problem verstehen und Lösungen entwickeln. Dementsprechend verstehe ich den Satz als Aufforderung, neugierig zu sein – und erst einmal viele Fragen zu stellen und zuzuhören.

Hier gibt es Einblicke in »Die gute Mappe« von Franziska Walther.

Pasta und Design vereint mehr als man gemeinhin glauben mag: Nicht nur, dass auch grafische Entwürfe stets ein wenig Biss haben sollten, auch rein formal weisen die unzähligen Teigwaren-Sorten kreative Formen auf, die am HfG-Archiv Ulm in einer Ausstellung näher betrachtet werden.

Eine Ausstellung mit Biss

Bis 19. Januar kann im HfG-Archiv Ulm der Designhistorie der Pasta nachgespürt werden: »Eine formschöne Gestaltung gefällt nicht nur unseren Augen, auch unserem Gaumen schmeichelt eine harmonisch geschwungene Nudel besonders gut. Design als schöpferische Tätigkeit macht aus einem undefinierten Teigstück ein beliebtes Lebensmittel, das heute weltweit in serieller Massenfertigung auf die Teller kommt«, so die Ausstellungsmacher über »al dente«. Dabei wird nicht nur die Frage geklärt, wie die Nudeln zu ihren Formen kamen, auch die Kommunikation rund um die Pasta, auf Plakaten, Verpackungen und in der Werbung ist eine amüsante Zeitreise.

HfG Ulm – ein besonderer Ort

Es ist kein Zufall, dass »al dente« im HfG-Archiv in Ulm präsentiert wird. Arbeitete doch hier in den 60er Jahren Walter Zeischegg an der ersten Designerpasta. Seither nahmen sich immer wieder Gestalter neuer Pastaformen an – von Philippe Starck über Giorgio Giugiaro bis Walter de Silva. Ebenso beleuchtet wird die Entwicklung der Pastaherstellung: Zwischen Handfertigung, voll automatisierter Produktion sowie der Pasta aus dem 3D-Drucker liegen zwei Jahrhunderte stetiger Optimierung. Kuratiert von Dr. Stefanie Dathe, Dr. Martin Mändele und Linus Rapp gelang eine Rundumschau zu einem nur vermeintlich profanen Thema, das für Gestalterinnen und Gestalter eine großartige Inspiration darstellt.

Empfehlenswerte Lektüre

Wer es nicht nach Ulm schafft, sich aber dennoch mit der Designgeschichte der Pasta beschäftigen möchte, dem sei der reich bebilderte Begleitband zu empfehlen: Auf 304 Seiten springt der Funke der Begeisterung schnell über – Skizzen von Pasta-Entwürfen, historische Anzeigenmotive, charmantes Packaging und spannendes Produktdesign ergeben einen inspirierenden Reigen. Erschienen bei der avedition (Softcover, ISBN 978-3-89986-413-7, 34 Euro) auch eine schöne Geschenkidee zu Weihnachten … für Pasta-Liebhaber und Kreative.

Mit beeindruckenden Illustrationen richtet Autor Torben Kuhlmann seinen Blick aus unterschiedlichen Perspektiven auf »Die graue Stadt« und entspinnt dabei einen spannenden Plot, dem nicht nur Kinder gerne folgen. Ein Buch, das zu Recht zu den »Schönsten Deutschen Büchern 2024« zählt und damit auch Liebhabern guter Buchgestaltung vollends gerecht wird.

Einem Komplott auf der Spur

Wie ein Krimi mutet dieses Kinderbuch aus der Feder Torben Kuhlmanns an: Robin zieht mit seinen Eltern in die Stadt, die durch und durch grau ist – von den Häusern über die Menschen bis hin zu den Blumen. Neugierig macht er sich auf die Suche nach der Ursache und stößt dabei auf die Grau GmbH & Co. KG. Mithilfe von Freunden bereitet er dem grauen Dasein schließlich ein Ende, gelangt in die Zentrale der Firma und stellt alle Farbregler auf bunt – welch schönes Finale!
Autor Torben Kuhlmann studierte an der Hochschule für angewandte Wissenschaften Hamburg Illustration und Kommunikationsdesign und arbeitete bereits zu dieser Zeit als freiberuflicher Illustrator. Im Anschluss war er für Jung von Matt tätig und realisierte zu dieser Zeit sein erstes Kinderbuch (»Lindbergh – Die Geschichte einer fliegenden Maus«). Seine Passion für dieses Genre scheint ungebrochen, denn auch in »Die graue Stadt« beweist er sein Gespür für kindliches Interesse, spannende Themen und nicht zuletzt einer dynamischen Umsetzung.

Unterhaltung für Groß und Klein

Dass sein neues Werk durchaus auch Erwachsene zu begeistern vermag, ist der euphorischen Beurteilung der diesjährigen Jurorinnen und Juroren der Stiftung Buchkunst abzulesen: »Die Einbandillustration: Hinter Dächern und Backsteinkaminen schieben sich die glatten Wände von Rasterfassaden empor. Noch vor dem ersten Textkapitel verdichtet sich die bleischwere Atmosphäre: Wie eine Collage aus Los Angeles, Paris und Hongkong staffeln sich über den Kurven aufgestelzter Stadtautobahnen die Mansardendächer mit Giebelfenstern und dahinter hochkantige Wolkenkratzer. Das alles ist in feinen Abstufungen monochrom schattiert, minutiös, ja geradezu penibel aquarelliert – und genau darin liegt der Plan der Geschichte.« Diese hohe Zeichenschule würdigt der Verlag mit einem exzellenten Druck, der feinen Papierwahl (Magno Volume, 150 g/qm) und einer harmonischen Heißfolien-Veredelung auf dem Cover … ja, auch mit Glanz und Glitzer zieht man Kinderblicke auf sich und erobert die kleinen Herzen.

Erwachsene haben in dem illustrativen Storytelling wiederum mit vermeintlichen Anspielungen ihren Spaß, wie die Jury ebenfalls feststellte: »Auffällig sind die Autotypen: amerikanische Schlitten neben Trabis und anderen Siebziger-Jahre-Karossen. Durch solche retromäßigen Details wirken die filmisch inszenierten Bilder wie eine subtile Parabel darauf, dass planwirtschaftliche ebenso wie konsumistische Ökonomie zu Gleichmacherei führt. Um den Plot nicht zu spoilern, sei nur so viel verraten: Ganz nebenbei wird der Unterschied zwischen subtraktiver und additiver Farbmischung erklärt.«
Mit dieser Geschichte lässt es sich in jedem Fall gut in die »Vorlesezeit«, den grauen Herbst, starten – 64 Seiten (ISBN 978-3-314-10652-1, 20 Euro, NordSüd Verlag) warten darauf, von Kindern ab 8 Jahren oder allen Junggebliebenen durchgeblättert zu werden.

Ob digital oder vor Ort: Für viele bedeuten Präsentationen eine Stresssituation, bei der es so manche Stolperfalle zu vermeiden gilt. Jochen Rädeker, Mit-Gründer der renommierten Agentur Strichpunkt, gibt mit seinem Buch »Verkauf Dich« wertvolle Tipps an die Hand, um sich und seine Arbeit erfolgreich darzustellen. Kein Technik-Tutorial, sondern eine Hilfestellung für das eigene Mindset.

Die Bühne nutzen

Die eigene Arbeit kann noch so brillant sein, wenn man diese nicht überzeugend präsentieren kann, wird sie womöglich dennoch durchfallen. Schließlich kommt es darauf an, den Funken überspringen zu lassen und zu begeistern – Jochen Rädeker kann nach hunderten Präsentationen und Vorträgen viel hierzu erzählen. Und gottlob tut er dies auch und lässt an seinen Erfahrungen teilhaben. »Verkauf Dich« ist kein Rhetorikratgeber, sondern vielmehr ein praktisches Tool, das sowohl die eigene Mentalität stärkt, als auch konkrete Tipps für die Vorbereitung an die Hand gibt. In einem der drei Hauptkapitel »Du und Dein Publikum« vermittelt er so die Beziehung zum Gegenüber – der Autor beleuchtet Zielgruppen, Briefings, Modalitäten und das generelle Mindset. Im zweiten Teil »Der Weg zum Ziel« geht es um die Erstellung und Vorbereitung einer Präsentation: Wie gelingt es, eine gute Dramaturgie aufzubauen? Last, but not least, heißt es »It's showtime« mit zielführenden Ratschlägen für den Präsentationsauftritt, aber auch für das »Danach«.

Gelungene Präsentation

Während Leserinnen und Leser nach der Lektüre hoffentlich gut gewappnet für ihren nächsten Auftritt sind, präsentiert sich der Band selbst in bester Buchgestaltung. Die 248 Seiten sind im fadengehefteten Flexcover-Halbleinenband vereint, abgerundete Ecken sorgen zudem für ein angenehmes Blättern. Und natürlich hat der herausgebende Verlag Hermann Schmidt auch nicht an zwei farbigen Lesebändchen gespart – schließlich soll man diesen Ratgeber immer wieder zur Hand nehmen und wissen, wo man gerade »steht«. »›Verkauf Dich!‹ ist kein Buch für Selbstdarsteller: Es ist ein Beziehungsratgeber. Geschrieben für alle, die im Rampenlicht stehen und sich dem Urteil derer hinter dem Scheinwerfer stellen – ob gern oder ungern. Ob vor kleinem oder großen Publikum, ob fünf Minuten oder einen Tag lang, ob vor der Webcam oder im Konferenzraum«, charakterisiert Jochen Rädeker sein neuestes Buch. So kann diese Investition (42 Euro, ISBN 978-3-87439-924-1) eigentlich nur ein Gewinn sein und der Titel ebenfalls lauten: Überzeugen Sie (sich).

Nicht erst seit dem Aufkommen des Modeworts »hyggelig« sind Produktentwürfe aus Dänemark, Norwegen, Schweden und Finnland weltweit beliebt – das »Scandinavian Design« hat als Designbewegung in den 50er Jahren seinen Ursprung und brachte seither unzählige Klassiker hervor. Geprägt von Schlichtheit und Funktionalität gilt es zudem als äußerst demokratisch: Ästhetik für alle!

Charakteristische Formensprache

Die Geschichte des skandinavischen Designs wurde bereits früh geprägt durch Alvar Aalto mit seiner ausdrucksstarken, organischen Formensprache sowie Arne Jacobsen, der sich nicht nur als Architekt einen Namen machte, sondern auch eine Vielzahl ikonischer Produkt- und Möbelentwürfe in die Welt brachte. Beide gelten als Väter des »Skandinavischen Designs«, das in den 50er-Jahren mehr und mehr sowie weltweit geschätzt wurde.
Die konsequente Förderung des Produktdesigns, etwa durch staatliche Designpreise, ließ eine lebendige Szene entstehen und verhalf vielen Kreativen zu internationalem Ansehen. »Form follows Function« – dieser Leitsatz umschreibt dabei den Designstil äußerst treffend: Die Bedürfnisse des Nutzers stehen klar im Vordergrund und aufgrund der klaren Linienführungen und dezenten Farben schmiegen sich skandinavische Designstücke wie selbstverständlich in jegliche Umgebung ein. Gerade diese Menschenzentriertheit mag auch der Grund dafür sein, dass Nachhaltigkeit in den skandinavischen Ländern einen solch hohen und vor allen Dingen selbstverständlichen Stellenwert einnimmt.

Spannende Historie

Mit einem prächtigen Band lässt Taschen nun in die Welt des »Skandinavischen Designs« eintauchen und spürt seiner Geschichte nach: Möbel, Glas, Textilien, Schmuck, Metallwaren und Industriedesign von 1900 bis heute ergeben eine spannende Zeitreise und legen zugleich den verbindenden Charakter der Entwürfe offen. Darüber hinaus werden 125 Designerinnen und Designer sowie Unternehmen porträtiert: Verner Panton, Arne Jacobsen, Alvar Aalto, Timo Sarpaneva, Hans Wegner, Tapio Wirkkala, Stig Lindberg, Finn Juhl, Märta Måås-Fjetterström, Arnold Madsen, Barbro Nilsson, Fritz Hansen, Artek, Le Klint, Gustavsberg, Iittala, Fiskars, Orrefors, Royal Copenhagen, Holmegaard, Arabia, Marimekko und Georg Jensen sind hierunter, um nur einige zu nennen. Charlotte und Peter Fiell liefern zu den großzügigen Abbildungen fundierte Hintergrundinformationen und bieten auf 512 Seiten ein wahrliches Lesevergnügen. Weit mehr als Coffee Table Book also, das für 25 Euro zudem äußerst erschwinglich ist (ISBN 978-3-8365-9839-2).

Wer glaubt, der Designnachwuchs sei dem Digitalen gänzlich verfallen, irrt gewaltig: Mit wie viel Enthusiasmus, Ideen und Gespür für Materialität junge Kreative an analoge Aufgaben herangehen, zeigt eine Kooperation des Papierherstellers Mondi mit der Mailänder Universität Nuova Academia di Belle Arti (NABA). Für eine Premium-Parfummarke entstand dabei eine Verpackung, die sowohl mit einer ausgeklügelten Konstruktion als auch mit eleganter Veredelung glänzt.

Eine Philosophie nimmt Formen an

Die Aufgabenstellung war klar, barg aber so manche Herausforderung: Für die japanisch inspirierte Luxus-Parfummarke Kadō sollte eine entsprechend hochwertige Verpackung entstehen, die den Spirit des Unternehmens einfängt. Das Konzept basierte auf dem zweiten Prinzip des Wabi-sabi: Fukinsei betont das paradoxe Gleichgewicht einer unvollkommenen und asymmetrischen Komposition. Die Marke Kadō ist wiederum nach der japanischen Kunst des Blumensteckens benannt und umfasst drei Düfte, die den Himmel, den Menschen und die Erde symbolisieren. Mit »Sky« nahm die kreative Reise für die Studierenden der Mailänder Universität Nuova Academia di Belle Arti (NABA) ihren Anfang.

Schön verschachtelt

Auf dieser Basis entwickelten Camilla Scaramuzzi, Sofia Tumino, Lucia Marina Tomasi und Simone Zalambani eine Schachtel, die ein sinnliches Unboxing-Erlebnis beschert: Die innere Struktur weist dabei mehrere Schichten in verschiedenen Farben auf, die sich beim Anheben des Deckels ähnlich einer Blüte entfalten. Mit Heißfolienprägung sowie Stanzungen wurde der ohnehin haptisch reizvollen Papiersorte PERGRAPHICA® taktile Spannung verliehen.
Für die Studierenden war dieses Projekt eine kreative Herausforderung, der sie sich mit großer Begeisterung widmeten: »Wir haben dabei auch unser Wissen über Druck, spezielle Veredelungen und verschiedene Papiersorten vertieft – Fähigkeiten, die es uns ermöglichen werden, ähnliche Projekte mit größerer Kompetenz und Zuversicht anzugehen«, so berichteten die Nachwuchsdesignerinnen und -designer.
Präsentiert wurde die luxuriöse Verpackungslösung auf der Drupa im Sommer dieses Jahres und stieß hier ebenfalls auf große Begeisterung. Zeigt diese Kooperation doch, dass es gerade im Packagingbereich an innovativen Ideen auch in Zukunft nicht mangeln wird …

Seit 2006 findet die Creative Paper Conference alle zwei Jahre in München statt. Aus zarten Anfängen in einer kleinen Location entwickelte sich ein Branchentreff mit hunderten Teilnehmern, einer 700 Quadratmeter großen Ausstellungsfläche sowie einer namhaften Sprecherriege. Auch in diesem Jahr wird die CPC (24. bis 25. Oktober) wieder Papierbegeisterte in die Landeshauptstadt locken, um mit allen Sinnen in die Materie einzutauchen. Natürlich sind wir von der IGEPA ebenfalls vor Ort!

Kreative auf der Bühne

Das Konzept der Creative Paper Conference ist nach wie vor, die Bühne den Kreativen zu überlassen, um von ihren Umsetzungen mit und auf Papier zu erzählen. Derart inspiriert können Besucherinnen und Besucher im großen Ausstellungsbereich sogleich Materialien erspüren und ihre Fragen an versierte Papierfachleute stellen. Für die illustre Sprecherrunde gewann das CPC-Team diesmal Crish Knigge (Studio Grau), Andreas Uebele, das Morphoria Design Collective, Herburg Weiland, Lamm & Kirch, Carolin Blöink (Stiftung Buchkunst), Sirene, Raquel Ro (Steindruck Werkstatt) sowie Grit Wolany. Somit sind die wichtigsten Designgenres von der Buchgestaltung über Corporate Design, Marketing, Editorial Design und Packaging vertreten – eben all die Bereiche, für die auch die IGEPA mit ihrem Sortiment passende Papiere bereitstellt.

Time to talk

Großzügige Pausen versprechen darüber hinaus wieder viel Austausch untereinander, die Pflege alter und das Knüpfen neuer Kontakte. Die Leidenschaft für Papier verbindet eben und bietet an allen Ecken in der atmosphärischen Alten Kongresshalle Gesprächsstoff. Bei einem abendlichen Creative Paper Dinner können diese Gespräche erneut vertieft werden. »Print wirkt, überzeugt und begeistert – heute mehr denn je. Wer erfolgreich kommunizieren möchte, sollte sich aus einem Mix aus Medien bedienen und die Vorteile von Print und Design gezielt ausspielen. Bei der Creative Paper Conference geht es um Inspiration, Austausch und Kommunikation mit Leidenschaft«, so die Veranstalter der CPC (Phoenix Verlag / Grafikmagazin). Das übergeordnete Motto der diesjährigen Konferenz lautet daher ganz folgerichtig: Hier zeigt Print seine wahre Stärke!

Die Eckdaten: 

Wann: 24. bis 25. Oktober 2024
Wo: Alte Kongresshalle München
Tickets: 375 Euro (2 Tage, Studierende 155 Euro), 195 Euro (1 Tag, Studierende 85 Euro)
Creative Paper Dinner: 24. Oktober, 18.30 Uhr, 85 Euro (Plätze limitiert)
Informationen und Tickets: www.creative-paper.de

Die Qualität eines Produktes auf den ersten Blick zu erfassen und mit einer schmeichelnden Haptik Kaufimpulse auslösen: Verpackungen sind nicht selten der Schlüssel für den Verkaufserfolg und stellen eine emotionale Bindung zur Marke her. Mit einem Do-it-yourself-Mailing kann die Wirkung von PERGRAPHICA® nun erspürt werden.

Werte vermitteln

Die Verpackung ist meist der erste Touchpoint einer Marke, um so wichtiger, dass dieser erste Eindruck sogleich die Wertigkeit des Produktes widerspiegelt. Im Luxussegment wiegt dieser Aspekt noch schwerer: Wenn Käufe keine Notwendigkeit darstellen, wird die Entscheidung für ein Produkt intuitiver getroffen. Und hier können feine haptische Akzente wie eine Blindprägung oder eine besondere Materialoberfläche bereits die Finger bezirzen. Mit eleganter Heißfolienprägung oder glänzender Lackierung werden darüber hinaus die Blicke angezogen. Auf diese Weise wird nicht nur der materielle Wert eines Produktes subtil vermittelt, sondern auch Markenwerte wie Qualität oder aber auch Innovationsgeist zum Ausdruck gebracht.

Vielfalt fürs Packaging

Mit drei weißen Farbtönen in zwei Oberflächen sowie 31 stark pigmentierten farbigen Varianten, ist PERGRAPHICA® für Luxusverpackungen wie geschaffen. Perfektioniert für perfekte Druckbilder, lässt sich die Sorte zudem problemlos veredeln – besonders die gerade angesagten Laserveredelungen zaubern auf PERGRAPHICA® außergewöhnliche Effekte. Für Verpackungen stehen zudem hohe farbige Grammaturen bis zu 330 g/qm zur Verfügung, die sich in der Weiterverarbeitung problemlos verhalten. Warum ist ein ungestrichenes Papier wie PERGRAPHICA® darüber hinaus so prädestiniert für das Packaging-Segment? »Ungestrichene Papiere verfügen über eine inhärente Wärme und Haptik. Dies vermittelt Vertrauen, Authentizität, Wertschätzung sowie ein Gefühl der Nachhaltigkeit. Dies ist ein wichtiger Faktor für Anwendungen wie Naturkosmetik, Luxusprodukte, nachhaltige Bekleidungsmarken, Bioprodukte, hochwertige Schreibwaren und vieles mehr«, so erläutert es der Papierhersteller Mondi.

Glatt oder rau?

Nicht nur die Farbe des Materials, auch seine Oberflächenbeschaffenheit ist ein wesentlicher Aspekt der Papierwahl. Eine glatte Oberflächentextur unterstreicht eine anspruchsvolle Botschaft und besticht mit Eleganz, was bei Hightech-Produkten oder Kosmetik vorteilhaft ist. Eine raue Oberflächenstruktur trägt dazu bei, eine authentische Optik zu vermitteln. Natur- und Bioprodukte profitieren von dieser haptischeren Anmutung ungemein, sodass sich die natürliche Textur von PERGRAPHICA® Rough für hochwertige Verpackungsprojekte in diesem Segment eignet.

Anmut auf den ersten Griff

Damit sich Kreative selbst von der außergewöhnlichen Haptik des Naturpapiers überzeugen können, sorgt nun ein Mailing für fühlbare Inspiration. Aus einem Bogen PERGRAPHICA® Colours Hopeful Green lässt sich mit wenigen Handgriffen eine Verpackung zusammenstecken. Mit edler Heißfolienprägung versehen, kann das Mailing als schmucke Aufbewahrungsmöglichkeit auf dem Schreibtisch platziert werden und daran erinnern, wie reizvoll ein elegantes Zusammenspiel aus Material und Grafik sein kann.

Wenn bei Ihnen kein Mailing ankam, senden Sie uns einfach eine Mail und wir schicken Ihnen den Bogen gerne zu: selection@igepagroup.com